14 álbumes de estudio son los que Depeche Mode ha entregado material original y esto abarca nada menos que 35 años de carrera, giras mundiales, conciertos registrados y aproximadamente 203 canciones grabadas, contando solo las oficiales y los lados b, pero sin tomar en cuenta el infinito número de versiones, remezclas y tributos.
¿Cómo puede una banda volver a reinventarse tras ese largo recorrido? ¿Qué fórmula puede un fan pedir cuando una banda ya te dio todo? La autoindulgencia podría no faltar y, a estas alturas, un verdadero fan se atrevería a opinar: “¿Por qué no?, se lo merecen”.
Es entonces que entendemos todo; mientras el 2016 se llevaba a su paso a grandes artistas que difícilmente, por no decir nunca, volveremos a ver nacer (Leonard Cohen, David Bowie o Prince), nuestro trío de Basildon optaba por encerrarse en su bunker a preparar el que ahora estrenamos con manteles largos: el décimo cuarto álbum de estudio de la leyenda llamada Depeche Mode, “Spirit”.
Going Backwards.
Es una suerte para quienes aún contamos con la paciencia y el sosiego de esperar algo distinto a la última vez; quienes no piden segundas partes amarán a primer escucha este tema. Un Depeche Mode nuevo. No veo la referencia a algún trabajo previo y propio de la banda, si acaso a Soulsavers, pero con la identidad y rebeldía implícita de los Mode. La primera canción de un álbum siempre será, si no la más importante, la que mide de una u otra forma el resultado de un objetivo logrado; en ella, al igual que en el último track de una obra completa, por lo general se muestran elementos intrínsecos de lo que se transpira, respira, emana y corre en su circuito interior.
Este tema, sin duda con un gran énfasis en sonidos acústicos, pianos con reverb, algunos doblados con efecto tremolo y en reversa para darle más atmosfera, de fondo órganos hammond y bajo eléctrico que pudo o no ser sampleado, coros manipulados hasta el grado de convertirlos en un sonido sintético, una interpretación de Dave Gahan que promete ser aún más intensa si es que deciden abrir con este tema sus próximos recitales. La letra un tanto extrema, negra, llena de referencias a la situación actual de este mundo un tanto perdido, los coros de Martin Gore cantando con gran pasión “We have nothing Inside” (no tenemos nada adentro) lo reafirman.
Where’s The Revolution.
El primer sencillo de “Spirit” desde el momento de su estreno generó polémica y división de opiniones. Y no solo por su discurso politizado. Mientras sucedían los debates, el número de reproducciones y versiones que salieron inmediatamente después de su estreno oficial crecían y crecían. “Where’s The Revolution” logró generar interés, atracción, división y, lo más importante y que todo artista pide, difusión, convirtiéndolo de la noche a la mañana en un trending.
Musicalmente el tema está dividido en tres partes, todas muy bien estructuradas. El verso realmente nos hace sentir y nos engaña mostrándonos a un Depeche muy conocido: sus clásicos sonidos secuenciados y pulsos synth recargados en medios tiempos graves que de un momento a otro piden a gritos estallar, justo ahí entra sin aviso el coro “Where’s The Revolution?”, pero con un punch y galleta que nos habían quedado a deber previamente en otras entregas. Aquí el espíritu del DM de la vieja escuela está presente: bajos profundos, cajas de ritmo perfectamente bien matizadas para que al entrar en el estribillo inmediatamente nos provoquen taquicardia. El puente es una suerte de armonización etérea tan bien, pero tan bien trabajada que nuevamente nos devuelve la magia que Depeche nos tenía acostumbrados en sus primeras obras. El resultado una verdadera joya, un tema que terminó por explotar, convencer y enamorar a quienes dudaban del potencial del tema. El pasado 1 de marzo fuimos testigo de ello cuando lo interpretaron en vivo por primera vez en la cadena NBC con Jimmy Fallon.
The Worst Crime.
Un tema que puede ser la clara referencia y consecuencia de un crossover, del ir y venir a diferentes proyectos simultáneamente, me refiero nada menos que a Soulsavers, la “otra” banda de Dave Gahan. Sin embargo, el espíritu depechero está presente dado al favoritismo de Martin por el uso de guitarras vintage y pre amps previamente propios del blues y country. Es un hecho claro que otros elementos están ahí, recordándonos el sonido de casa.
Un punto a favor es la delicada producción que James Ford cuidó y trabajó con mucha más dinámica que Ben Hillier, dándole espacio y tiempo a cada instrumento. Es un track excelentemente bien balanceado, va de menos a más, nuevamente con muchos elementos acústicos mezclados con los habituales pero discretos sonidos electrónicos. Una potencial balada que dada su interpretación tan orgánica podría ser una figura imprescindible en sus próximas sesiones en vivo y en el tour, no hacerlo sería… su peor crimen.
Scum
El alma se ha encendido nuevamente, el espíritu Depeche está más que presente: sintes modulares, secuencias, beats mecánicos y una voz tan distorsionada que podría jurar está manipulada con toda la intención de hacernos interrogantes. Sobre un grito que salta del verso al coro, “Pull The Triger” (jala el gatillo) hay de fondo unas cuerdas análogas que recuerdan en momentos al Blade Runner de Vangelis. Y en el fondo un bajo predominante, muy al estilo del soundtrack de “Stranger Things”. Es evidente que todos los sonidos son producidos con la intención de hacerlos clásicos, como si procedieran del catálogo de sonidos con el que crearon sus primeras joyas. James Ford ha desafiado al Depeche contemporáneo trayendo consigo mucho de él mismo. Es decir, en teoría son los mismos juguetes, la misma técnica, pero no, el espíritu de este joven y la forma en que las nuevas generaciones manipulan estas máquinas son completamente distintos. Es como haberse graduado de la misma universidad pero al final la praxis es lo que en definitiva te da una experiencia y un desenvolvimiento completamente diferente.
You Move
Gran actitud, esa es la palabra que hasta el momento va describiendo “Spirit”. Este track comienza con toda la fuerza y misterio que en momentos nos recuerda un poco a la producción de algunos temas de Songs of Faith & Devotion (1993) y un poco más al Ultra (1997) e incluso a Recoil, el proyecto de Alan Wilder quien fuera un elemento esencial en la evolución musical de los Mode, el productor de cabecera de sus primeros himnos. Un tema muy estridente en sus bajos graves, intensos, marcadísimos y que con subwoofers en un buen sistema de sonido seguramente llevarán a otra dimensión. Arpegiadores que nos devuelven su sonido más industrial y apocalíptico. Igualmente muy sensual y adictivo: “Temptations, knocking at my door” (tentaciones llaman a mi puerta), ¡sí, que sí!
Cover Me
Un tema que realmente sorprende en su producción y dirección, el tema empieza con tan pocos elementos, en su mayoría acústicos, que costaría trabajo escucharla hacia el final y adivinar su origen. Tras el primer verso, la segunda estrofa del mismo, va comenzando a introducir synths, pads, strings sobre una slide guitar. Poco a poco se van formando muchos más elementos que definirán el track. Junto al coro al unísono de Martin Gore y Dave Gahan se va generando una cama completamente electrónica, unos arpegiadores de ensueño y de fondo unas figuras cósmicas que demuestran que el gran ingenio y creatividad para los oriundos de Basildon no han quedado atrás y aún queda mucho por descubrir, por trascender. Definitivamente uno de los mejores momentos del álbum, este sí que está lleno de espíritu.
Eternal
Bien, si estamos ante un álbum político y que maneja la problemática abismal actual y el panorama negro que nos ofrece Trump, el brexit y la descomposición social que enfrenta la humanidad, y sumamos a esto que Depeche nunca ha sido la banda más positiva del mundo, “Eternal” y su mensaje apocalíptico entran perfectamente en este juego. Es una canción que tiene como propósito ser un puente entre el final de la primera parte y ésta que entra en un recorrido un tanto más lúgubre, pero aun así con un mensaje de amor y protección. Martin es el encargado de entonar este lamento con una letra desgarradora haciendo alusión a una eventual catástrofe mundial. Es un arrullo enternecedor en tonos bemoles que presagian el holocausto atómico que amenaza la estabilidad ante un mandatario loco y sediento de poder. “When the black cloud rises and radiaton falls I will look you in the eyes and kiss you and give you all my love as well as any man can as well as any man could you’re my eternal, eternal love” (Cuando la nubre negra se forme y la radiación caiga, te miraré a los ojos y te besaré y te daré todo mi amor, tanto como un hombre pueda, tanto como un hombre pudiera, tú eres mi eterno, mi amor eterno). Los sonidos que entonan la melodía y su progresión recuerdan en momentos los interludios del álbum Violator (1990).
Poison Heart
Un down tempo que tiene como principal protagonismo la desilusión, el desamor, la catástrofe y un negro augurio. Contrasta muy bien con el tratamiento que se le ha dado a las guitarras de Martin, en momentos tan filtradas y editadas que se pierden en esa base tan bien construida. Capas y más capas de sintes y procesadores que acompasan un tempo de ¾ , propios del blues. En definitiva un track que pudo ser del repertorio de Portishead o Massive Attack, ahora caemos en el cliché: “Lo retro es lo actual”, por lo tanto tiene un sonido muy ¿contemporáneo?, no lo sé, solo sé que su coro es muy fuerte y melódico, no es un himno de estadios, pero sí una canción muy potente y que al momento se ha convertido en mi segunda favorita del álbum entero, no dudaría que se convirtierá en el segundo sencillo.
So Much Love
Con más beats por minuto, fuerza y actitud Mr. Gahan entona los primeros versos, sobre un beat muy ochentero, muy al estilo de New Life, y hace aún más referencia con modulares que dibujan una figura arpegiada que recuerda aquellos sonidos netamente salidos del Roland Arp 2600, cuando Daniel Miller todavía los tenía a su cuidado, solo que esta vez combinados con una guitarra tipo surf de Gore. “There is so much love in me” (hay mucho amor en mí), esta sí pinta a ser cantada en estadios. James Ford es muy contundente en la forma en la que trabajó con Depeche, construye los tracks creando bases sólidas, no nos da todo en una sola muestra. En referencia a previos trabajos, me viene a la mente “Free” lado b de “Precious” (2005) puede ser la idea que no se alcanzó a desarrollar en aquellas sesiones, pero aquí no solo está muy bien desarrollada y producida, sino que controla muy bien cada parte de la canción, contiene matices que la elevan cuando debe hacerlo y dispara sonidos únicos que le dan la importancia, justificación y personalidad necesaria cuando lo deben hacer, cada cosa está en su lugar. Quizás un potencial sencillo.
Poorman
El sentir de este tema es similar a una plegaria, algo más cercano a un mantra, entonamos, cantamos, concluimos y nuevamente iniciamos; esto sucede un par de veces mientras que se puede oír una secuencia formada por un bajo sintético bastante grueso y robusto, un arpegiador analógico que desciende en forma de cascada y una caja de ritmos que dispara al final de cada compás claps con reverb, Martin haciendo coros en su puro estilo clásico. “Hey there’s no news poorman still got the blues he’s walking arround in worn out shoes with nothing to lose” (hey, no hay noticias, el hombre pobre sigue triste, está caminando alrededor con sus zapatos gastados sin nada que perder”, canta Dave. Más tarde, en la segunda parte, se incorporan sonidos más profundos y distorsionados, leads más procesados para hacer juego con la guitarra eléctrica blues. En momentos su discurso pareciera ser alma gemela del legendario “Everything Counts”, con todo y su “The Grabbing Hands grab all they can, all for themselves after all”, aquí se escucha un discurso similar: “Corporations get the breaks keeping almost everything they make” (las corporaciones toman las oportunidades, reteniendo casi todo lo que ellos han logrado) justo al final del segundo verso aparece el kick constante a 4/4 que estaba enmudecido en la caja de ritmos inicial, dándole más dramatismo y llevando a la conclusión de una forma muy dinámica. Un tema muy interesante.
No More (This is the Last Time)
Nuevamente espíritus nos invaden, el espíritu del Depeche Mode clásico contemporáneo, el espíritu de James Ford más presente que nunca, el manejo de la armonía y la melodía son todo aquí, no hay mayor belleza que encontrar magia en la simplicidad, no hay muchos adornos, incluso su desarrollo es muy discreto y básico, mucha profundidad en su mezcla, el uso del reverb le hace crear una especie de cámara de vacío y un atmosfera espiritual. Al llegar al puente pueden escucharse sonidos análogos endulzantes que nos hipnotizan y nos hacen dar unos pasos de baile muy ad hoc a como se bailaría en un concierto de Chvrches, M83, Grimes, etc.
Fail
Un gran cierre. Martin Gore nos regala una excelente interpretación, una letra completamente desoladora, se ha perdido esperanza en la raza humana. Una verdadera oda al reclamo y aceptación del fracaso. Incluso en su letra es una gran sorpresa escuchar a Mr. Martin Lee Gore maldecir por primer vez en un tema: “People do we call this trying?, We’re hopeless, forget the denying, our soulds are corrupt, our minds are messed up, our consciences, brankrupt , oh, we’re fucked” (Gente ¿a esto le llamamos intentar?, estamos desesperanzados, olvida la negación, nuestras almas corrompidas, nuestras mentes revueltas, nuestras conciencias quebradas, oh, estamos jodidos).
Tras unos sonidos percusivos y acordes de un synth pad de fondo, sobre una atmósfera creada por leads y nuevamente bajos sostenidos profundos, los arpegiadores aparecen justo al final del primer coro, entonces la base rítmica sin acelerarse en una ritmo suave y lento, toma más presencia y se mezcla con complicados riffs sintéticos y muy similares a “Always” bonus track de “Delta Machine” (2013). Sonidos estelares, melancólicos y mágicos son producidos durante el outro y de esta forma se despide Depeche Mode, muy discretamente, dejándonos con ganas de más, como justamente aquel “Delta Machine” que nos entregó 13 canciones en el álbum y 4 más de bonus tracks, pero bueno, bien se dice que de lo bueno poco.
“Spirit” es en definitiva un gran álbum, es por mucho más propositivo que varios de sus anteriores trabajos, nos devuelve a un Mode nuevamente polémico, industrial, complejo, más suelto, abierto y con una energía diferente. Si bien no es para la pista de baile, hay mucha energía en su mensaje e interpretación. Y ni qué decir de su producción, sin duda una gran elección James Ford. Se buscaba salir de la zona de confort de una trilogía un tanto gastada con Ben Hillier, que si bien “Playing The Angel” (2005) y “Delta Machine” (2013) nos dieron lo mejor de su colaboración, la banda corría el riesgo de repetir una y otra vez las fórmulas ya probadas.
Finalmente, y sin afán de rebuscar en el título del álbum, el espíritu de Spirit está en tres cosas:
1. Mensaje y contexto, políticamente enlaza temas cotidianos con cuestiones de carácter de interés general
2. Sonido, mezcla y mastering, los temas son llevados a otro nivel, su sonido esta vez no excederá tus bocinas ni reventará tus oídos, su mezcla es muy profunda, limpia, se puede escuchar todo perfectamente en su lugar y el matiz que se cuida en ir subiendo poco a poco su decibeles lo vuelven muy agradable al oído e incluso adictivo.
3. Interpretación, es un álbum muy en vivo, se siente, con todo y lo que implica hacer música electrónica. Lo dije antes y lo reitero: no son las máquinas, las máquinas al parecer son las mismas, pero son operadas de diferente forma, la programación es muy discreta, hay mucho énfasis en hacerse sentir “en vivo”, elementos acústicos que antes no se habían explorado ni explotado tanto.
Sin duda “Spirit” es un álbum que se perfila para convertirse en lo mejor de este 2017.
